Comentario tomado de  www.tiempodemusica.com.ar

Ciclo “Música Clásica en los Caminos del Vino” 2009 : Cosecha de buena música barroca italiana

En el marco de este ciclo que se realiza cada año en Mendoza, se pudieron apreciar dos presentaciones de música barroca: un concierto del Ensamble Alauda de Uruguay y “La serva padrona” de Pergolesi por La Cetra. Por Daniel Arias Fuenzalida (corresponsal en Mendoza)

AMOR, GUERRA, STELLE por el ENSAMBLE ALAUDA y VIOLETTA CLUB. Dirección general: Gabriela Guembe. Ensamble Alauda: Isabel Barrios y Ana Belén Costa, sopranos; Manuela Rovira, contralto; Alejandro Vera, tenor; Alejandro Arezo, bajo. Violetta Club: Sebastián Alcaraz y Alejandro Fiore, violín barroco; Gabriela Guembe, violoncello barroco; Gustavo Richter, órgano. Músicos Invitados: Gonzalo Cuadra, tenor; Ramiro Albino, flautas y arpa; Evar Cativiela, archilaúd; Laureano Melchiori, contrabajo; Mario Masera, clave. Obras de Monteverdi, Allegri, Mealli y Merula. Concierto realizado el jueves 9 de abril de 2009 en el Teatro Independencia de Mendoza, dentro del Ciclo “Música Clásica por los Caminos del Vino”.

LA SERVA PADRONA, intermezzo buffo en dos partes de Giovanni Battista Pergolesi. Ensamble La Cetra. Dirección musical: Sergio Antonini, clave. Elenco: Marisú Pavón (Serpina), Walter Schwarz (Uberto), Sergio Pelacani (Vespone). Instrumentistas: Martha Cosattini, concertino; Marcela Olivieri y Sebastián Alcaraz, primeros violines; Sergio Polizzi y Alejandro Fiore, segundos violines; Raquel Giuliani, viola; Ignacio Camaño, cello; Cristian Basto, contrabajo. Función del domingo 12 de abril de 2009 en el Teatro Independencia de Mendoza, dentro del Ciclo “Música Clásica por los Caminos del Vino”.

Desde hace nueve años se realiza en la provincia de Mendoza el ciclo ‘’Música Clásica por los caminos del vino’’, un festival de proyección internacional que lleva la música académica a muchos lugares dentro del espacio geográfico mendocino. Son numerosos los conciertos, amplia la variedad de ensambles instrumentales y valiosa la propuesta de situarlos en escenarios culturales, históricos y bodegas. Esta fiesta de sentidos y especiales sensaciones se prolongó en su edición 2009 por nueve días, desde el 4 al 12 de abril pasado. El vino y la música fueron, una vez más, divinos protagonistas.

Dentro del ciclo se destacaron dos programas que causaron gran interés y expectativa. Ambos presentaron joyas del barroco italiano, con notable calidad musical y filológica. El jueves 9 de abril, en el Teatro Independencia, el público disfrutó con las voces del Ensamble Alauda(Uruguay) y la participación invitada del tenor chileno Gonzalo Cuadra.

La primera parte abrió con el madrigal Volgendo il ciel de Claudio Monteverdi (1567–1643), obra de notable dificultad para el tenor y los demás solistas. Siguieron las obras instrumentales Corrente de Lorenzo Allegri (1567–1648) y Sonata “La Cesta” de Pandolfo Mealli(1620–1669). Luego continuaron los madrigales Lamento Della ninfa de Monteverdi, para soprano y tres voces masculinas, cuya belleza sensibilizó a la audiencia, y el encantador dúo para sopranos Chiome d’oro, también de Monterverdi.  La Ciaccona de Tarquino Merula (1595–1665) finalizó la primera parte, interpretada estupendamente por los instrumentistas, que transmitieron el especial crescendo emocional del fragmento. La segunda parte ofreció otra selección de madrigales monteverdianos: Lidia spina del mio core, Ed è pur dunque vero, Hor che’l ciel e la terra e’l vento tace – Così sol d’una chiara fonte viva. Y para poner fin al programa, se interpretó una selección de fragmentos de L’Orfeo.

La exquisita selección de obras cautivó a los presentes, que aplaudieron con entusiasmo a los artistas. Mención especial merece Gonzalo Cuadra, eminente especialista en el barroco temprano, que cantó con la elegancia, musicalidad y expresividad que le caracteriza. El conjunto instrumental, salvo algunos deslices de afinación (de hecho el clave, como es habitual, se desafinó; pero no se tomó la precaución de corregir la afinación en el intervalo) estuvo muy bien.

El domingo 12 tocó el turno a la presentación quizás más esperada, el intermezzo buffo de Giovanni Battista Pergolesi (1710–1736) La serva padrona; que fue la finalización del ciclo. Dividida la obra, a su vez, en dos intermezzi, entre las cuales se ejecutaron dos obras del mismo compositor (Sinfonía de Lo frate ‘nnamurato y el Concerto di violino), el espectáculo fue terminado con calurosos aplausos del público.

La Serpina de la soprano Marisú Pavón lució una voz afinada, de excelente emisión, belleza y calidad tímbrica. Sin embargo, su canto es demasiado estilista, cualidades que no se atribuyen a la naturaleza simple, socarrona, hilarante, espontánea y hasta informal de los personajes, inspirados en la commedia dell’arte. A su lado, el bajo Walter Schwarz, como el viejo Uberto, estuvo muy bien, voz redonda, contundente en el grave y bien proyectada, aunque quizás algo robusta para el rol. Ambos protagonistas tuvieron buen rendimiento en escena, logrando momentos bellos y cómicos. Los instrumentistas cumplieron bien su tarea, salvo algunas imperfecciones técnicas y de afinación. Destacable el trabajo de Sergio Pelacani, tanto en su actuación interpretando el personaje del criado Vespone, como en la puesta en escena y vestuario, que deleitó visualmente con finos trajes y genuinas situaciones del teatro popular del settecento.

Resumiendo, los turistas y los mendocinos tuvieron magníficas oportunidades de disfrutar barroco de calidad. Esperemos que el ciclo “Música Clásica por los Caminos del Vino” siga cosechando adeptos y continúe en su misión más productiva: hacer más accesible la música clásica y promover su apreciación.

Daniel Arias Fuenzalida
Corresponsal en Mendoza
Abril 2009

Álvaro Vallés (fotografía, Natalia Montero)

Junto a un público generoso y atento vivimos una noche cargada de emociones, que se convirtió en un homenaje a nuestro querido compañero.

Para esta ocasión Alauda eligió una selección de música de Claudio Monteverdi, tomada en su mayor parte de su VIII Libro de Madrigales.

Con la finalidad de lograr una interpretación fiel e historicista de las obras, Alauda invitó  a participar de este proyecto al conjunto de cuerdas argentino Violetta Club, especializado en repertorio renacentista y barroco, y a la clavecinista Noelle Fostel.  Así se  logró amalgamar dos emprendimientos musicales nacidos geográficamente distantes pero esencialmente muy cercanos: Ensamble Alauda y Violetta Club comparten su predilección por la recreación de la música del primer barroco, período fecundo si los hay, que tiene su máximo exponente en Claudio Monteverdi, paradigma indiscutible de la drástica transición entre el Renacimiento y el Barroco.

Las obras

Cuando en su V libro de madrigales (1605) Monteverdi afirma no seguir los preceptos  de la antigua escuela, sino guiarse por lo que él llama “seconda prattica”, habla con la seguridad de un artista plenamente conciente de un cambio fundamental en la concepción de la música. Durante este período la llamada música antigua o “stile antico” era equivalente al estilo renacentista y la nueva música o “stile moderno” (seconda prattica) correspondía al naciente estilo barroco.

Las diferencias esenciales radicaban en el cambio de relaciones entre música y texto y en la forma de concebir los intervalos. En la música renacentista, la armonía ejerce una clara supremacía sobre el texto y el resultado armónico se concibe como la conjunción de los intervalos al combinar las voces. En el barroco el texto se convierte en el maestro de la música, sobre los acordes proporcionados por el bajo, siguiendo la práctica del bajo continuo característica de este período. Con esta nueva función de “acompañamiento” relegada al bajo, la melodía ganó en libertad y agilidad, permitiendo numerosas posibilidades armónicas nuevas.

En los  Madrigali Guerrieri et Amorosi (libro VIII, 1638) nos hallamos ante el estilo concertado totalmente desarrollado del Monteverdi maduro, caracterizado por poner las emociones humanas en música, priorizando los “affetti” sobre otros elementos. Como sugiere el título de este octavo libro de madrigales, en su primera parte trata de afectos belicosos, la ira, el horror, representados de modo exclusivo por melodías triádicas y motivos de fanfarria  con notas repetidas con mucha rapidez. En su segunda parte, se trata de textos amorosos como es el caso del “Lamento della Ninfa”,  cuyo “genero rappresentativo” aventura la experiencia de Monteverdi como compositor de ópera.

En 1614, el compositor aragonés publicó en Amberes su excepcional Parnaso Español de Madrigales y Villancicos a quatro, cinco y seys, con el que culminó toda una gloriosa tradición musical de la canción polifónica renacentista en la Península Ibérica.

Pedro Ruimonte

Hay ocasiones en las que personajes del pasado, escondidos en los laberintos ignorados de la Historia, se abren paso a través de los siglos para aparecer ante nosotros de improviso, y sorprendernos.  Es el caso de Pedro Ruimonte, compositor aragonés, cuya singular obra no es de las más frecuentadas ni difundidas del repertorio español de su época, como sí lo fueron, en cambio, sus predecesores Juan del Encina, Mateo Flecha, Juan Vásquez o Francisco Guerrero.
Pedro Ruimonte (o Rimonte), nació en Zaragoza en 1565 y su formación musical se desarrollaría, probablemente, a través de las lecciones públicas y diarias que en La Seo (Catedral de Zaragoza) impartía su afamado maestro de capilla y polifonista Melchor Robledo, a las que asistía en compañía de su amigo el gran organista Sebastián Aguilera de Heredia
Desde fecha cercana a 1599, -esto es cuando el archiduque Alberto y la princesa Isabel Clara Eugenia tomaron posesión de la Gobernación de los Países Bajos-, la documentación ubica a Pedro Ruimonte en la corte de Bruselas, primero como “mozo de coro” y más tarde como «Maestro de Música de la Capilla y de la Cámara de sus Altezas Serenísimas».

Durante su permanencia en Bruselas imprimió tres libros de composiciones suyas en la tipografía musical de Pierre Phalese de Amberes: Missae Sex IV. V. et VI. vocum, en 1604; Cantiones Sacrae IV. V. VI. et VII. vocum et Hieremiae Prophetae Lamentationes sex vocum, en 1607, y el Parnaso Español de Madrigales y Villancicos a quatro, cinco y seys, en 1614. Las escasas piezas manuscritas preservadas, se encuentran en Zaragoza, Albarracín y El Escorial, existiendo en Londres y Puebla (Mexico) partes sueltas de sus madrigales.

Estas obras corresponden a la formidable capilla de música que el maestro regía en Bruselas: doce niños cantores, tres altos, un contralto, tres tenores, un bajo y tres organistas, además de un nutrido grupo de ministriles que tañían los más diversos instrumentos: cornetas, diferentes instrumentos de cuerda, dulzainas, flautas, fagotes, trombones, etc.

Ruimonte vuelve a España en 1614, después de haber dejado ultimada la edición del Parnaso, dedicándose a la enseñanza de la música. Nada sabemos sobre las razones de su regreso a Zaragoza ni de alguna otra actividad suya durante esta época. Pedro Ruimonte muere en su ciudad natal en 1627 y es sepultado en el convento de San Lázaro. En vida fue reconocido por sus conciudadanos, que lo designaban familiarmente «el Maestro Pedro».

Durante su permanencia en Bruselas imprimió tres libros de composiciones suyas en la tipografía musical de Pierre Phalese de Amberes: Missae Sex IV. V. et VI. vocum, en 1604; Cantiones Sacrae IV. V. VI. et VII. vocum et Hieremiae Prophetae Lamentationes sex vocum, en 1607, y el Parnaso Español de Madrigales y Villancicos a quatro, cinco y seys, en 1614. Las escasas piezas manuscritas preservadas, se encuentran en Zaragoza, Albarracín y El Escorial, existiendo en Londres y Puebla (Mexico) partes sueltas de sus madrigales. Estas obras corresponden a la formidable capilla de música que el maestro regía en Bruselas: doce niños cantores, tres altos, un contralto, tres tenores, un bajo y tres organistas, además de un nutrido grupo de ministriles que tañían los más diversos instrumentos: cornetas, diferentes instrumentos de cuerda, dulzainas, flautas, fagotes, trombones, etc. Ruimonte vuelve a España en 1614, después de haber dejado ultimada la edición del Parnaso, dedicándose a la enseñanza de la música. Nada sabemos sobre las razones de su regreso a Zaragoza ni de alguna otra actividad suya durante esta época. Pedro Ruimonte muere en su ciudad natal en 1627 y es sepultado en el convento de San Lázaro. En vida fue reconocido por sus conciudadanos, que lo designaban familiarmente «el Maestro Pedro».

LA OBRA

El Parnaso Español de Madrigales y Villancicos a quatro, cinco y seys vio la luz en Amberes, en el año 1614, en la imprenta de Pedro Falesio (Pierre Phalése) y es la última obra que conocemos de Ruimonte, escrita durante su larga estancia en Bruselas. Fue dedicado a Don Franciso Gómez de Sandoval, Duque de Lerma, valido del rey Felipe III y se compone de un total de nueve madrigales y doce villancicos, conformando un conjunto de una originalidad verdaderamente única en la música española. Musicalmente presenta el Parnaso dos formas y mundos contrastantes: Por un lado, los madrigales: apasionados, tensos, reflexivos y por otro, los villancicos: nerviosos, ágiles, con ritmos ternarios muy vivos y atrevidos contrapuntos; en los que el autor aragonés exhibe una personalidad fascinante y originalísima, anticipando además muchas de las convenciones del barroco español. Los madrigales suelen proponer un discurso más narrativo y reposado, en compás binario, con dolientes cromatismos; poseen esa diafanidad propia de la polifonía hispana, densa, compleja, sobre textos en su mayor parte anónimos, pero hondos y cargados de sentido. Los villancicos, sin embargo, son rítmicamente, mucho más audaces, con un uso casi constante del compás ternario y la hemiola, elemento éste, tan característico del Barroco.”

(Fotografía: Alejandro Arezo)

“El registro de contratenor es muy poco frecuente, se utilizaba principalmente en el período Barroco. Es una voz más aguda que la del tenor, la cual se puede comparar con el registro de una contralto o mezzo-soprano. Lamentablemente en el Uruguay no hay docentes específicos para este tipo de registro. Por esta razón tiempo atrás, envié al Conservatorio Nacional de Estrasburgo una grabación con cantatas de Vivaldi junto al Cuarteto de Cuerdas “Luis Pasquet” y un registro en DVD del Concierto   realizado en Marzo de 2007 en la Catedral de Montevideo por la Orquesta y Coro del SODRE en donde interpreté como contratenor solista la “Cantata 182″ y el “Oratorio de Pascua” de Juan Sebastián Bach.  Afortunadamente, a mi requerimiento respondieron dos profesoras de dicha institución, confirmándome una plaza como estudiante de Canto a partir del año 2007. La carrera tiene una duración de 2 años, pudiendo extenderse dos años adicionales en estudios de postgrado.” Leandro Marziotte.

La Sala Zitarrosa de Montevideo fue el marco para el “Concierto Despedida”. Leandro estuvo acompañado por destacados músicos invitados: la organista y clavecinista Cristina García Banegas;  los pianistas Bernardo Aroztegui y Andrea Cruz,  el Mtro. Eduardo Gilardoni; el guitarrista Gustavo Reyna; las sopranos Isabel Barrios, Elodie Favre y Lucía Leite; el tenor Edgardo Rocha y los barítonos Alvaro Vallés y Alfonso Mujica.

También participó el Cuarteto de Cuerdas “Luis Pasquet” integrado por Clara Kruk, Matías Cracium (violines) Gian Di Piramo (viola) y Rodrigo Riera (violoncello), acompañados por Roberto De Bellis (contabajo) y Giselle Altai (clave). Y por supuesto, Ensamble Alauda también estuvo presente.

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(Diseño: Pablo D’Angelo)

En apoyo a las obras de restauración de la Torre de la iglesia San Francisco de Asís, la  iglesia más antigua de Montevideo, Alauda presentó nuevamente el Officium Defunctorum.

El Concierto contó con el auspicio de Radiodifusión del S.O.D.R.E.  y fue transmitido en directo por Clásica  650 A.M.

(Fotografía: Natalia Montero)

(Diseño: Pablo D’Angelo)

Mi alma está hastiada de mi vida. Daré rienda suelta a mi queja; hablaré con la amargura de mi alma. Diré a Dios: no me condenes; hazme entender por qué me juzgas así.¿Te parece bueno oprimir y desechar la obra de tus manos mientras resplandeces sobre el consejo de los malvados?¿Acaso tus ojos son humanos? ¿Acaso ves como ve un hombre?¿Son tus días como los días de un hombre; o tus años, como los de un mortal, para que indagues mi iniquidad y rebusques mi pecado? Tú sabes que yo no soy culpable, y que no hay quien me libre de tu mano.

Job X, 1-7

El Ensamble  presentó en calidad de estreno para Uruguay el Concierto del Oficio de Difuntos (Réquiem) de Tomás Luis de Victoria en  la Cripta del Señor de la Paciencia, Iglesia San Francisco de Asís, Montevideo.

(Fotografía: Natalia Montero)

La obra

El Oficio de Difuntos para coro a seis voces de Tomás Luis de Victoria fue interpretado por primera vez en 1603 y publicado en Madrid dos años después. Tras haber pasado unos años cruciales en Roma donde publicó la mayor parte de su obra y donde fue ordenado sacerdote, el maestro, nacido en Ávila, volvió a España para ocupar el puesto de capellán y maestro de capilla del Convento de las Descalzas Reales en Madrid, hogar de la hermana de Felipe II, la Emperatriz María para cuyos funerales Victoria compuso esta magnífica obra. La Misa fue dedicada a su hija, la princesa Margarita.

Es, sin duda, este segundo Réquiem de Victoria el más famoso de todos, una obra cumbre de toda la literatura polifónica, y el que más atención ha despertado por su inigualable calidad musical (el primero, para coro a cuatro voces, fue publicado en 1533).

Además de su interés meramente musical esta obra tiene -con la perspectiva que nos da el tiempo- un especial valor simbólico pues representa un adiós no sólo a la propia vida del abulense, fue la última obra compuesta por Victoria que moriría pocos años después, sino un adiós también a la propia música renacentista y a una época de gloria para nuestras artes (literatura, pintura, música, etc) que nunca más se habría de repetir.

Para muchos el Réquiem de Victoria es la obra más representativa de la música española renacentista. Gracias a su intensidad expresiva conseguida con los medios más simples y su callado fervor emociona como pocas. La tan repetida austeridad de Victoria alienta un discurso musical fluido, sereno, equilibrado y profundamente arraigado a su Castilla natal. Una obra de arte sin más aspiraciones que la comunión espiritual con Dios y el deseo de descanso eterno.

(Diseño: Pablo D’Angelo)

Iglesia Evangélica Alemana, Montevideo.  Alauda interpretó composiciones religiosas y sacras, mayoritariamente a capella. En esa oportunidad el Ensamble contó con la participación especial del organista Martín Abal Barú.